Gabriel Bebeșelea är en internationellt verksam dirigent och chefdirigent för George Enescu Philharmonic Orchestra i Bukarest. Han är också konstnärlig ledare för Musica Ricercata, en ensemble och festival som fokuserar på historiskt informerad uppförandepraxis.

Han har dirigerat orkestrar som Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, Konzerthausorchester Berlin, Royal Philharmonic Orchestra, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Antwerp Symphony Orchestra, Singapore Symphony Orchestra, Aarhus Symphony Orchestra, Tonkünstler-Orchester och Prague Philharmonia.

Under säsongen 2025/26 återvänder han till Aarhus Symphony Orchestra, dirigerar Ulster Orchestra i Belfast och framträder i Concertgebouw Amsterdam. Han leder även Antwerp Symphony Orchestra vid George Enescu Festival och dirigerar konserter i Kölner Philharmonie.

Bebeșelea har också haft framgångsrika operakarriärer, bland annat som chefdirigent vid Romanian National Opera of Iași och National Romanian Opera House of Cluj-Napoca, samt som chefdirigent för Transylvania State Philharmonic Orchestra of Cluj-Napoca.

Pianisten Simon Trpčeski är internationellt erkänd för sin virtuosa teknik, sitt uttrycksfulla musicerande och sin karismatiska scennärvaro. Sedan sitt genombrott som BBC New Generation Artist har han samarbetat med över hundra orkestrar världen över, däribland London Symphony Orchestra, Philharmonia Orchestra, Royal Concertgebouw Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, NDR Elbphilharmonie Orchestra, New York Philharmonic, Chicago Symphony Orchestra, San Francisco Symphony och NHK Symphony Orchestra.

Under säsongen 2025–2026 inleder han säsongen med Prague Philharmonia och Seattle Symphony och genomför en Nordamerikaturné med National Symphony Orchestra och Gianandrea Noseda. Han återvänder också till San Francisco Symphony, Vancouver Symphony Orchestra och Utah Symphony, samt uppträder i Europa med bland andra Royal Philharmonic Orchestra, Tonhalle-Orchester Zürich och Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo. Han ger även recitaler i Wigmore Hall och Concertgebouw Amsterdam.

Trpčeski har en omfattande diskografi med inspelningar av bland annat Rachmaninovs, Brahms och Sjostakovitjs pianokonserter. Han driver också projektet MAKEDONISSIMO, som förenar makedonsk folkmusik med klassisk virtuositet.

George Enescu (1881–1955)
Orkestersvit nr 1
Prélude À L_unisson
Menuet Lent
Intermède
Finale

Under sin livstid och långt därefter var George Enescu främst känd som violinist och som tonsättaren bakom den ständiga publikfavoriten Rumänsk rapsodi nr 1, skriven 1901. Vid denna tid stod han på tröskeln till en internationell karriär som turnerande violinvirtuos med en repertoar som sträckte sig från Bach till Brahms. Han var också en aktiv dirigent med en lika bred repertoar, där naturligtvis även hans egna verk ingick. Som pedagog är han särskilt ihågkommen som mentor åt den unge Yehudi Menuhin, och dessutom som kompositionslärare till sin landsman, den briljante men kortlivade pianisten Dinu Lipatti.

Enescu lämnade sitt hemland Rumänien redan vid sju års ålder för att studera i Wien hos Joseph Hellmesberger, en berömd violinpedagog och direktör för Wiens musikakademi, vars far hade varit vän och samarbetspartner till Beethoven. Brahms – under vars dirigentpinne den unge Enescu en gång spelade i akademins orkester – liksom Wagner ("hans kromatik blev en del av mitt blodomlopp") och hans eget östeuropeiska folkmusikarv skulle fortsätta att påverka honom genom hela livet.

Efter examen från Wiens akademi vid elva års ålder flyttade han till Paris för att studera komposition för Massenet och Fauré. Ett nästan legendariskt ögonblick inträffade när han vid femton års ålder framträdde som solist i Paris i samma konsertprogram i Beethovens violinkonsert och Liszt pianokonsert i Ess-dur.

Enescu var dessutom en aktiv kammarmusiker. Han bildade en egen stråkkvartett, deltog i olika pianotrior och uppträdde som recitalpartner till musiker som Jacques Thibaud, Pablo Casals, Yehudi Menuhin och, mot slutet av sitt liv, David Oistrach.

Trots sitt intensiva turnerande från basen i Paris förblev Enescu starkt knuten till Rumänien. Han behöll ett hem där och spelade en aktiv roll i landets konstliv från seklets början fram till slutet av 1930-talet.

Hans större kompositioner fick dock länge begränsad spridning, såvida han inte själv medverkade i framförandet – som violinist, pianist eller dirigent. Under de senaste decennierna har situationen förändrats betydligt, inte minst tack vare den amerikanske dirigenten (med rumänsk bakgrund) Lawrence Foster, som engagerat sig starkt i att föra fram Enescus musik i konserter, på operascenen – där den lyriska tragedin Oedipe ofta betraktas som tonsättarens mästerverk – och på skivinspelningar.

Bland Enescus större verk märks särskilt tre orkestersviter, vars tillkomst spänner över hela hans skapande liv: den första från 1901–1902, den andra från 1915 och den tredje från 1938.

Första sviten i C-dur uruppfördes under tonsättarens egen ledning vid en konsert med Bukarests filharmoniska sällskap (som han senare skulle bli chef för) den 23 februari 1903. På programmet stod också de första framförandena av hans två Rumänska rapsodier, vars mer tydligt folkliga stil kom att dra till sig den största uppmärksamheten.

Särskilt slående i Svit i C-dur är de två första satserna, som – i enlighet med tonsättarens egen praxis vid sina senare framträdanden som dirigent – ofta framförs som en sammanhängande inledning. Den första satsen är skriven för stråkar (främst violiner) som i unison spelar en bred melodi med tydlig östeuropeisk prägel. Pukorna träder gradvis in med ett hotfullt crescendo som leder över i den andra satsen: en långsam, rikt texturerad menuett byggd på en sorgsen, fallande tretonsmelodi.

Camille Saint-Saëns (1835 – 1921)
Pianokonsert nr 2 g-moll op.22
Andante sostenuto
Allegro scherzando
Presto

Saint-Saëns levde länge nog för att förakta verk av Debussy och Stravinskij (bland andra) och betraktas ofta som en konservativ – om inte rentav reaktionär – tonsättare. Men under sin karriärs tidiga och mellersta år var Saint-Saëns en förkämpe för den mest progressiva delen av samtidens musik (däribland Schumann, Wagner och Liszt), och hans egen musik var ofta högst originell i sin form.

Hans pianokonsert i g-moll, komponerad 1868, är ett tydligt exempel. Den store ryske pianisten Anton Rubinstein – en av den välförbundne Saint-Saëns många vänner inom musiklivet – kom till Paris på våren för en serie om åtta konserter, alla dirigerade av Saint-Saëns. Innan serien var avslutad bestämde sig Rubinstein för att även göra sin parisiska dirigentdebut under vistelsen, med Saint-Saëns som solist. Närmaste möjliga datum låg bara tre veckor fram i tiden, så Saint-Saëns satte genast i gång och fullbordade konserten på 17 dagar. Han uruppförde den den 13 maj med Rubinstein på dirigentpulten.

Trots att verket är tredelat liknar dess övergripande form snarare en symfoni utan första sats än en traditionell konsert. Grundpulsen i den inledande satsen är långsam, även om den ofta fylls av snabba figureringar. Den börjar slående med en solokadens som låter som om Liszt improviserade över ett av preludierna ur Bachs Das wohltemperierte Klavier. Temat som solisten presenterar efter orkesterns entré sägs vara hämtat från en övning av Gabriel Fauré, en av Saint-Saëns elever vid École Niedermayer i början av 1860-talet. Saint-Saëns utvecklar det briljant, även om glittret från de forsande klaviaturkaskaderna är mer framträdande i denna toccataliknande sats än motivisk fördjupning. (Verkets virtuositet utmanade till och med Saint-Saëns själv, som märkte att den snäva tidsramen inte gav honom tillräckligt med tid att öva på det han skrev.) Satsen avslutas med ytterligare en kadens, i vilken orkestern smyger sig in medan solisten återvänder till inledningsmaterialet.

Scherzot börjar också med en överraskning: ett svagt pizzicatoackord i stråkarna och ett litet timpani-motiv. Pianisten träder in med en munter melodi som härrör från huvudtemat i första satsen. Nästan besatt motivisk bearbetning – av detta första tema och av det närbesläktade andra temat som först hörs i fagott och låga stråkar – är central i denna sats, även om gnistrande ornamentik sällan är långt borta. Denna sats, med sin sorglösa sväng, var publikens tydliga favorit vid uruppförandet.

I finalen fortsätter Saint-Saëns att förvandla sitt huvudtema i en kraftfull tarantellaliknande dans. Han fortsätter också att överraska med sitt inledande grepp, denna gång fyra takter av mullrande introduktion som inleds av solisten. Detta muller återkommer flera gånger och punkterar den atletiskt språngvisa dansen. Den tekniska briljansen är lika bländande som det kompositoriska hantverk som ger den flammande energin en så sammanhållen och övertygande kraft.

Georges Bizet (1838–1875)
Rodion Shchedrin (f. 1933)
Carmen Suite

Den 3 mars 1875 hade operan Carmen av Georges Bizet premiär i Paris. Verket bygger på den liknamniga novellen av Prosper Mérimée. I denna briljanta dramatiska opera, fylld av kokande passioner och fängslande musik, blev huvudpersonen – den charmiga zigenarkvinnan Carmen – en symbol för ett eldigt temperament och en fri själ. Djupt sårad av operans misslyckande vid premiären dog Bizet tre månader senare, utan att ana den världsberömmelse som hans mästerverk senare skulle uppnå.

Bizets verk hör i dag till världens mest spelade operor och har också gett upphov till dussintals bearbetningar för olika instrument, ensembler och orkestrar. Men att förvandla Carmen till en balett var ett djärvt och nästan våghalsigt projekt som den stora ryska primaballerinan Maja Plisetskaja drömde om – något nytt som kunde bryta monotonin i de ständigt återkommande klassiska baletterna.

Historien om tillkomsten av Carmen Suite, balettsviten av Rodion Shchedrin, är närmast en thriller. Plisetskaja längtade efter att dansa något nytt, något eget. "Tanken på Carmen levde ständigt inom mig – ibland glödde den djupt därinne, ibland bröt den fram med kraft", skriver hon i sina memoarer. "Vem talade jag inte med om min dröm! Jag försökte övertala Sjostakovitj, men han avböjde vänligt men bestämt. Hans huvudargument var: 'Jag är rädd för Bizet', sagt halvt på skämt. Sedan vände jag mig till Chaturjan, som också tackade nej.

Då trädde en ny person in på scenen. I slutet av 1966 kom Ballet Nacional de Cuba på turné till Moskva. En produktion var under arbete, iscensatt av deras chefsbalettmästare Alberto Alonso. Från första rörelsen kändes det som om en orm bet mig. Detta är Carmens språk, hennes grace, hennes värld! I pausen rusade jag bakom scenen: 'Alberto, skulle du vilja sätta upp Carmen för mig?'"

Alonso gick entusiastiskt med på idén, men ett stort hinder återstod: att övertyga de sovjetiska myndigheterna att bjuda in en utländsk koreograf till Bolsjojteatern. Som tur var kom Alonso från vänskapslandet Kuba. Han anlände till Moskva med ett färdigt libretto, och Rodion Shchedrin (född 1933), Plisetskajas make, tog sig an musiken. Han berättade själv:

"Vårt minne är starkt knutet till de musikaliska bilderna i Bizets odödliga opera. Därför uppstod idén om en transkription. Jag hade valt genren, och nu behövde jag också välja instrumenteringen – vilka instrument som kunde kompensera för frånvaron av mänskliga röster och samtidigt framhäva musikens inneboende koreografiska karaktär. Jag valde därför en ensemble bestående av stråkar och slagverk. Balett och opera är visserligen besläktade konstarter, men var och en har sina egna lagar. Balettorkestern bör, enligt min mening, klinga några grader 'hetare' än operans. Den måste också berätta mer. Jag arbetade med partituret med stor iver. Som en hyllning till Bizets geni försökte jag inte göra detta på ett underdånigt sätt utan på ett kreativt sätt, och samtidigt utnyttja de virtuosa möjligheterna i den valda besättningen."

En viktig roll i den uppmärksammade balettföreställningen spelades också av scenografen Boris Messerer, som förvandlade scenen till en symbolisk arena för livet. Premiären ägde rum 20 april 1967 på Bolsjojteatern under ledning av Gennadij Rozjdestvenskij.

Med Maja Plisetskaja i titelrollen blev Carmen en världssensation. Hon var den perfekta Carmen – förkroppsligandet av en rebellisk och okuvlig anda. Senare berättade hon att hjältinnan för henne blivit en symbol för den fria individen som kämpar mot makten.

Men samtidigt som publiken hyllade verket (och kort därefter följde premiären i Havanna, med Alicia Alonso som Carmen), grumlades glädjen av Sovjetunionens kulturminister Jekaterina Furtseva, som fördömde baletten för dess "överdrivna erotik och formalism":

"Ni har gjort det spanska folkets hjältinna till en kvinna med omoraliskt beteende."

Strider följde om rätten att visa baletten utanför Sovjetunionen, och även Shchedrin kritiserades för sitt experiment med det klassiska operaarvet.

Lyckligtvis hör dessa konflikter numera historien till. Carmen Suite i Bizet– Shchedrin -versionen fortsätter i dag att triumfera på världens scener och är dessutom ett uppskattat verk på konsertpodiet.

Innan konserten kan du njuta av en god bit mat. I pausen kan du köpa något gott. Vid vissa konserter håller vi även öppet i Övre Baren.

För mer information och menyer, tryck här!

Kontakt:
restaurangen@gavlekonserthus.se
026-172940

Varmt välkommen till Restaurang Gourmet BLÅ.